Sergio Prego: Den Raum skulpturieren und die Vergänglichkeit umarmen

Sergio Prego ist ein spanischer Künstler, der 1969 in Donostia/San Sebastián geboren wurde und tief in der baskischen Kunstszene der späten 1990er Jahre verwurzelt ist. Seine prägenden Jahre an der Universität des Baskenlandes und das anschließende Studium an der School of Visual Arts in New York verliehen ihm einen multidisziplinären Ansatz, der zum Kern seiner unverwechselbaren künstlerischen Vision wurde. Pregos Werk überschreitet traditionelle skulpturale Konventionen, indem es die Erforschung räumlicher Beziehungen priorisiert und das transformative Potenzial vergänglicher Materialien – primär Polyethylen-Schläuche und Aluminium – nutzt, um Installationen zu schaffen, welche die Wahrnehmung von Form und Bewegung herausfordern.

• Frühe Einflüsse: Pregos künstlerischer Weg wurde maßgeblich von Persönlichkeiten wie Bruce Nauman und Andrei Tarkovsky geprägt, deren Auseinandersetzung mit Körperlichkeit und filmischem Erzählen tief in seinem konzeptionellen Rahmen widerhallten. Er schöpfte Inspiration aus den radikalen Architekturkollektiven der 1960er Jahre – Ant Farm und Archigram –, die als Reaktion auf vorherrschende gesellschaftliche Normen neue Vorstellungen von Raum und Physis entwarfen.
• Materialexploration: Pregos Faszination für pneumatische Strukturen – aufblasbare Membranen, die durch Druckluft stabilisiert werden – stellt ein zentrales Element seiner künstlerischen Praxis dar. Diese Konstruktionen, die oft als „Gedichte im Raum“ bezeichnet werden, zeichnen sich durch ihr feines Gleichgewicht zwischen Starrheit und Flexibilität aus und spiegeln die Besessenheit des Künstlers wider, flüchtige Momente der Transformation einzufangen.
• Bedeutende Ausstellungen: Pregos Karriere ist durch zahlreiche renommierte internationale Ausstellungen geprägt, darunter das Guggenheim Museum Bilbao (2006), das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), das Museo Contemporáneo Barcelona – MACBA (Barcelona) und die Biennale in Venedig (2019). Sein Gemeinschaftsprojekt mit Itziar Okariz auf der Biennale erntete große Anerkennung von der Kritik für seine konzeptionelle Kühnheit und den innovativen Einsatz von Materialien.

Skulpturale Methodik: Pneumatische Architektur und kinetische Formen

Pregos skulpturaler Prozess definiert sich durch akribische Liebe zum Detail und ein unerschütterliches Engagement für das Experimentelle. Er verwendet Tetraeder – dreieckige Pyramiden –, die um eine zentrale Achse angeordnet sind, als grundlegende Bausteine für seine Installationen und schafft so modulare Strukturen, die sich einer statischen Kategorisierung entziehen. Diese Skulpturen nutzen Polyethylen-Schläuche und Aluminiumelemente, um Bewegung und Spannung innerhalb der Grenzen des Raumes zu erzeugen, was Pregos Überzeugung widerspiegelt, dass Skulptur aktiv mit ihrer Umgebung interagieren sollte. Wie er selbst formuliert: „Ich war schon immer daran interessiert, neue Modalitäten der Raumwahrnehmung zu erfinden oder, noch vielmehr, neue räumliche Beziehungen zu erschaffen.“

• Technik: Der Künstler faltet Polyethylen-Folien akribisch zu Schläuchen und fixiert diese mit Aluminiumstützen, woraus Strukturen entstehen, die zu atmen scheinen – sie dehnen und kontrahieren sich subtil unter Druck.
• Konzeptioneller Rahmen: Pregos Ansatz steht im Einklang mit der breiteren künstlerischen Bewegung der 1960er Jahre, welche Performance-Kunst und das erfahrungsorientierte Engagement als Mittel zur Hinterfragung etablierter Konventionen und zur Erforschung alternativer Perspektiven auf die Realität förderte.

Anerkennung und Vermächtnis: Die Zusammenarbeit auf der Biennale in Venedig

Sergio Prego erlangte internationale Anerkennung durch seine Teilnahme am spanischen Pavillon der Biennale in Venedig (2019) an der Seite von Itziar Okariz. Dort präsentierten sie *Get Out of the Way*, eine aufblasbare Skulptur, die auf die Pionierarbeit von Architekten wie Buckminster Fuller und Frei Otto anspielt. Dieses Projekt unterstrich Pregos anhaltende Faszination für pneumatische Strukturen – eine Technik, die in den utopischen Visionen der späten 1960er Jahre verwurzelt ist – und festigte seine Position als visionärer Künstler, der die Grenzen skulpturaler Praxis verschiebt. Sein Beitrag zur Biennale wurde für seine konzeptionelle Tiefe und die innovative Erforschung räumlicher Dynamik gelobt und zementierte sein Vermächtnis als eine zentrale Figur der zeitgenössischen Kunst.