Ivan Le Lorraine Albright

Ivan Le Lorraine Albright était un peintre et artiste américain du réalisme magique, le plus célèbre pour ses autoportraits, ses études de personnages et ses natures mortes. Ses œuvres sombres et mystérieuses comptent parmi les peintures les plus méticuleusement exécutées jamais réalisées, nécessitant souvent des années de travail.
Ivan Albright et son frère jumeau identique, Malvin, sont nés près de Chicago, à North Harvey, dans l'Illinois, d'Adam Emory Albright et Clara Wilson Albright. Leur père était un peintre de paysages, issu d'une famille de maîtres armuriers dont le nom original était « Albrecht ». Les frères étaient inséparables durant l'enfance et une grande partie de leur jeune âge adulte. Tous deux se sont inscrits à l'Art Institute de Chicago, un simple pile ou face ayant décidé qu'Ivan étudierait la peinture et Malvin la sculpture. Si Ivan admirait particulièrement le travail d'El Greco et de Rembrandt, il sut rapidement développer un style qui lui était propre.
Adam Albright emmena sa femme et ses fils à Warrenville, dans l'Illinois, en 1924.
Albright fréquenta l'université Northwestern, mais abandonna ses études pour entreprendre un cursus en architecture à l'université de l'Illinois à Urbana-Champaign. Pendant la Première Guerre mondiale, il réalisa des dessins médicaux pour un hôpital à Nantes, en France, un travail morbide qui influença probablement son style ultérieur. Après avoir brièvement travaillé dans l'architecture et la publicité, il fut repoussé par le mercantilisme et se consacra sérieusement à la peinture. Après avoir vécu à Philadelphie durant la majeure partie de 1925 et 1926, il retourna dans l'Illinois, où il commença à connaître un succès substantiel, organisant sa première exposition en 1930.
Ce n'est qu'au cours des années 1930 qu'Albright développa une technique méticuleuse et constante pour ses œuvres. Cette méthode incluait la création de nombreux dessins détaillés, l'élaboration de sa propre palette de couleurs et la peinture à l'aide de centaines de petits pinceaux. La technique chronophage d'Albright permettait non seulement une description détaillée de la détérioration physique des objets et des êtres humains, mais lui permettait également d'incorporer une multitude de légers changements de point de vue et de mettre en lumière les relations entre les objets. La combinaison par Albright d'un réalisme extrême avec une palette de couleurs violente et criarde a conduit les critiques d'art à classer son travail parmi celui des réalistes magiques américains.
Le terme « réalisme magique » provient du livre « After Expressionism: Magic Realism: Problems of the Newest European Painting » de Franz Roh. Le style décrit par Roh fut adopté par des peintres italiens et allemands, et atteignit bientôt les États-Unis. Le réalisme magique américain est illustré par les œuvres réalistes, étranges et surnaturelles, de certains artistes américains dans les années 1940 et 1950. Le sujet du réalisme magique n'est pas excessivement surnaturel ou extraordinaire, mais tente plutôt de mettre en scène le banal à travers un point de vue exagéré et anormal.
Parmi les œuvres typiquement sombres et mystérieuses d'Albright figurent certains des tableaux les plus méticuleusement exécutés jamais créés, exigeant souvent des années de labeur. Des rideaux de dentelle ou du bois éclaté étaient recréés à l'aide de pinceaux constitués d'un seul poil. L'ampleur de l'effort investi dans ses peintures le rendait très possessif envers elles. Même pendant la Grande Dépression, il demandait des prix 30 à 60 fois supérieurs à ceux de ses confrères, ce qui entraînait des ventes peu fréquentes. Pour survivre, il comptait sur le soutien de son père et acceptait des petits travaux de menuiserie. L'une de ses premières peintures, The Lineman, remporta un prix et fit la couverture d'un magazine spécialisé, Electric Light and Power. Cependant, sa représentation voûtée et délaissée provoqua une controverse parmi les lecteurs, qui ne jugeaient pas une telle image représentative. Les éditeurs finirent par prendre leurs distances avec l'œuvre d'Albright.
Albright se concentra sur quelques thèmes à travers la majeure partie de ses œuvres, particulièrement la mort, la vie, la matière et l'esprit, ainsi que les effets du temps. Il peignait des œuvres très complexes, dont les titres étaient à la mesure de leur complexité. Il ne nommait pas un tableau avant qu'il ne soit achevé, moment où il proposait plusieurs possibilités, plus poétiques que descriptives, avant de trancher. Un tel exemple est Poor Room - There is no time, no end, no today, no yesterday, no tomorrow, only the forever, and forever and forever without end (the window) ; les deux derniers mots décrivant en réalité la peinture (c'est ainsi qu'elle est généralement appelée). Une autre œuvre, And Man Created God in His Own Image, s'intitulait God Created Man in His Own Image lors de sa tournée dans le Sud. L'une de ses peintures les plus célèbres, qui lui prit une dizaine d'années pour être achevée, s'intitulait That Which I Should Have Done I Did Not Do (the door), et remporta le premier prix lors de trois grandes expositions à New York, Chicago et Philadelphie en 1941. Le prix du Metropolitan Museum of Art de New York lui valut une bourse d'achat de 3 500 $, mais refusant de se séparer de l'œuvre pour moins de 125 000 $, Albright accepta la médaille à la place, ce qui lui permit de conserver le tableau. Albright fut élu à la National Academy of Design en 1942.

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